Artists in Residence

2014 gründeten Wei Man und Wang Jiaming das Corbie & Rabbit Art Center (CRAC) in Peking. Dort begannen sie, neue Wege einer körperbasierten Vermittlung kreativer Künste zu erkunden, die auf Dezentralisierung ausgerichtet ist. Sie initiierten die Reihe FIRST LIGHT, zu der sie internationale Künstler*innen und Wissenschaftler*innen aus unterschiedlichen Bereichen wie Architektur, zeitgenössischem Theater, Klangkunst und New-Media-Kunst einluden. Zudem organisierten sie Studienbesuche an Schulen und Tanzkompanien in den Niederlanden, Belgien und Grossbritannien.

Ausgehend vom Körper und geprägt von einer kritischen Praxis, die disziplinäre und kulturelle Grenzen überschreitet, setzen sie sich dafür ein, die Einzigartigkeit und Lebendigkeit jedes Individuums zu fördern.

Parallel dazu gründeten sie das Media x Performance Studio (MxP), das sich experimentellen Praktiken an der Schnittstelle von Theater, ortsspezifischen Arbeiten und digitalen Medien widmet. Im Zentrum steht dabei eine tiefgreifende Auseinandersetzung mit dem Menschsein und mit dem, was sich jenseits der Sprache nicht ausdrücken lässt.

Ihre Arbeiten wurden unter anderem am National Centre for the Performing Arts in Peking, beim ACT Shanghai Contemporary Theatre Festival und im Shanghai International Dance Center präsentiert.

Zainab begann 2008 mit Schauspiel am Theater und schloss sich von 2011 bis 2016 mehreren feministischen Storytelling-Kollektiven an. Sie schreibt und übersetzt Sachtexte und Belletristik zwischen Arabisch und Englisch. 2011 verfasste sie ihr erstes Theaterstück und schrieb, inszenierte und spielte zwischen 2016 und 2018 ihr Debütstück Ordinary People. Im Jahr 2025 führte sie die erste Fassung ihres Performance-Projekts Disappearing Cartographies in Green in Paris auf. Als Autorin und Performerin ist Zainab daran interessiert, neue Wege des performativen Ausdrucks in Kairo zu finden, wo sie lebt und arbeitet. Sie arbeitet weiterhin an Giza, einem fortlaufenden Projekt, das aus dem Archiv ihrer Familie mütterlicherseits hervorgeht und sich zwischen Fotografie, Film, Text und Performance bewegt. Zainab schloss ihre Promotion im Fach Life Writing Studies ab, wobei sie sich auf das veröffentlichte Werk und die persönlichen Manuskripte von Waguih Ghali spezialisierte. In der Kaserne wird sie an Under the Sink arbeiten, einem persönlichen dokumentarischen Performance-Projekt über Endometriose, deren Diagnose und das Leben mit der Krankheit.

In intimen Low-Budget-Werken setzt Saleh sich mit der Gegenüberstellung extremer Gegensätze auseinander – Trauma und Heilung, toxische Männlichkeit und Queerness, Hass und Mitgefühl – und entwickelt dabei eine formal radikale und zugleich jugendliche Bildsprache.

Saleh war auf Filmfestivals u.a. in Cannes, bei der Berlinale, in Venedig, Locarno, bei Visions du Réel, IDFA und FID vertreten. Als Preisträger*in des Prince-Claus-Seed-Award, assoziierte*r Künstler*in von l’Abri, Absolvent*in des Masterstudiengangs an der ECAL/HEAD und des Le Fresnoy-Programms arbeitet Saleh unter dem Pseudonym Filmsaaz als Bildende*r Künstler*in, Musiker*in und DJ*ane; Saleh hat zwei LPs veröffentlicht und weltweit an verschiedenen Orten ausgestellt und performt.

Im Jahr 2026 feierte Salehs erster Spielfilm, die audiovisuelle Oper WOLFGANG, beim IFFR Premiere. Der neue Kurzfilm, die romantische Slasher-3D-Animation Ãsheghetam, gewann in Locarno den Preis der Jugendjury für den besten Autor*innen-Kurzfilm.

Die Arbeiten von Gu Jiani wurden vom Shanghai International Dance Center, dem West Kowloon Cultural District in Hongkong und dem National Theater & Concert Hall in Taipeh in Auftrag gegeben oder gefördert. Im Jahr 2019 erhielt sie ein Stipendium des Asian Cultural Council für einen künstlerischen Austausch in New York.

Neben ihrer choreografischen Arbeit entwickelt Gu Bewegungspraktiken, die die Beziehung zwischen Körper und Bewusstsein erforschen. Im Jahr 2025 gründete sie „Body Force Field“, einen experimentellen Raum, der der Erforschung von Bewegung und Sinneserfahrung gewidmet ist.

CARDELLINI | GONZALEZ is a duo formed by artists Igor Cardellini and Tomas Gonzalez. Their practice takes shape through performances, installations, and site-specific or itinerant works. Whether in theatres, exhibition venues or public space, their work turns context into an active component, the audience’s position and presence becoming materials in their own right.
The duo’s approach unfolds through acts of displacement. Their works redistribute roles, subvert established uses, restage conventions, or push familiar situations to the point of estrangement. They often engage audiences from the position they already occupy: that of bodies present, caught in expectations, habits, and pre-existing relations. In doing so, ways of looking and being together cease to seem self-evident.
This research extends into their teaching at La Manufacture – University of Performing Arts, where they explore with the students how dramaturgies emerge through encounters with specific sites, situations and audiences.

In Switzerland, co-producers of their work include Théâtre Vidy-Lausanne and Maison Saint-Gervais Geneva, with further support from partners across the country’s linguistic regions. Their projects are presented across Europe and South America in collaboration with institutions and festivals including BUDA, Théâtre de Liège, VIERNULVIER, Ménagerie de verre, Klöntal Triennale, La Bâtie, Les SUBS, Fierce Festival, MAHN, Dublin Theatre Festival, Santarcangelo Festival, Short Theatre, NEXT Arts Festival, FIBA and FIAC-Bahia.
Fellows of Istituto Svizzero’s Roma Calling programme (2022–23), they also took part in the Swiss Selection at the Edinburgh Festival (2021), and in 2024 one of their works was selected for the Swiss Theatre Days.
Following a three-month residency at Tokyo Arts and Space in 2026, they are currently pursuing their research at Kaserne Basel and the Cité internationale des arts in Paris.

IGOR CARDELLINI is an artist and theatre director. With a background in anthropology, sociology and political science, he works across performance, choreography and the visual arts. His practice is rooted in the places where collective life plays out and in the ways they shape bodies, behaviours and power relations.

TOMAS GONZALEZ is a theatre director, actor and researcher. He holds degrees in humanities from the University of Lausanne and in theatre from La Manufacture. His work explores copying, imitation, reenactment and the ways in which models circulate across eras, performers and performances. He has taught at La Manufacture since 2017, where, together with Anne Pellois, he offers an embodied approach to the history of acting.

Laura Oppenhäuser, *1983, ist ausgebildete Silberschmiedin und Figurenspielerin. Sie arbeitet freischaffend als Festivalmacherin und als Performerin unter eigener künstlerischer Leitung. Ihre Arbeiten drehen sich um Macht und Ohnmacht, um das Aushalten von Andersartigkeit und um die Frage, wie weit künstlerische Freiheit gehen kann, wenn sie sich nur bedingt absichert. Sie produziert prozessorientiert, sucht dabei immer wieder die Begegnung mit Fremden und macht ihre Erlebnisse zu Material. Ihre Produktionen sind direkt, körperlich, widerständig und oft provokativ, ohne je eindeutig zu werden. Autobiografisches mischt sich mit Erdachtem, Naivität mit Präzision, Humor mit Zumutung. Allem voran stehen die Lust am Unvorhersehbaren und an der Reibung: Fragen stellen, Grenzen testen, Unbekanntes zulassen – auch dann, wenn es unbequem wird.

2015 begann Laura ein Bachelorstudium in Theater an der Haute école des arts et de la scène La Manufacture HES-SO in Lausanne. Nach ihrem Abschluss entwickelte sie die Performance Femme en appartement, in der sie sich mit Überforderung und Einsamkeit auseinandersetzt. Das Stück zeigte sie an verschiedenen ortsspezifischen Spielorten sowie 2019 im Théâtre du Loup in Genf im Rahmen des Festivals C’est déjà demain.

Danach entstand J’ai vu, ventre (...), ein kurzes poetisches Stück über ihre Erfahrung mit einer Abtreibung, das im Centre culturel des Grottes in Genf präsentiert wurde.

2021 wurde sie assoziierte Künstlerin bei L’Abri in Genf. Dort beschäftigte sie sich mit Fragen von Transformation, Selbstbild und Selbstdarstellung und begann, mit Gesangsgedichten zu arbeiten. In diesem Zusammenhang entstand Exhibition, eine partizipative Performance, in der das Publikum direkt in die Veränderung ihres Erscheinungsbildes eingreift.

Intimität steht im Zentrum ihrer künstlerischen Arbeit. Sie interessiert sich für Selbstoffenbarung als künstlerische Praxis und dafür, wie persönliche Erfahrungen und Verletzlichkeit kreative Prozesse anstossen können.

Gemeinsam mit Guilhem Causse gründete sie in Genf die Kompanie Cie PNJ. Im Mai 2025 präsentierten sie beim Mapping Festival eine neue Version ihrer Performance Exhibition.exe und arbeiten derzeit an Version3.

Für 2027 ist die Uraufführung von Hell. geplant, einem Theaterstück, das auf persönlichen Daten aus ihrer Zeit als Geek und Teenager basiert. Sowohl Hell. als auch Exhibition.exe untersuchen die Verbindungen zwischen Bühne und Internet – als Räume der Inszenierung, Projektion, Selbstermächtigung und Transformation.

Her practice navigates between performance, video, music, curation, installation and is based on self-representation, on the desire to destroy pre-established codes and explore social, gender and contextual identities in a specific researched field of life screams and action. Rebecca Solari is a member of the electro-punk duo Crème solaire (CH) and the music/performance project fulmine (NL).

Sie arbeitet mit zahlreichen Künstler*innen in Frankreich und international (Tunesien, Mali, Russland, Kongo, Palästina) zusammen. 2018 war sie Mitbegründerin der Groupe Crisis in Marseille, wo sie ihre eigenen Werke entwickelt. Ende 2023 begann sie einen Forschungszyklus zur Anthropologie des Rituals an der EHESS in Paris (École des Hautes Études en Sciences Sociales).

Mit ihrer Leidenschaft für Verkörperung, Besessenheit und Metamorphose betrachtet sie den Tanz als lebenswichtige und soziale Notwendigkeit, die Bühnenarbeit als eine der Ausdrucksformen des Lebens unter uns und die künstlerische Erfahrung als Raum für Transformation und Selbstermächtigung.

Eman Hussein arbeitet eng mit Arbeiter*innen zusammen – oft verbringt sie längere Zeit mit ihnen in ihren Werkstätten –, um deren körperliche Beziehung zu Werkzeugen, Materialien und Raum zu beobachten. Diese konkrete Forschung bildet die Grundlage für eine Bewegungssprache, die Arbeitsgesten in zeitgenössische Performance verwandelt.

Ihre Arbeiten wurden international beim Zürcher Theaterspektakel, beim Festival de Danse Cannes–Côte d’Azur, beim Festival Theaterformen und bei Cinédanse präsentiert. Sie ist Preisträgerin des PREMIO Nachwuchspreis 2026 und derzeit Accomplice Artist am Tanzhaus Zürich (2026–2027), wo sie „Undeclared Work“ entwickelt, das dritte Kapitel ihrer fortlaufenden Serie „Labour Work – Between Work and Dance“.

Eman Husseins Bewegungssprache ist im Arbeitermilieu und in ihrer langjährigen Beobachtung des Alltagslebens verwurzelt. Sie entwickelt ihre choreografische Sprache durch körperbezogene Forschung – indem sie mit Handwerker*innen und Arbeiter*innen zusammenarbeitet und ihr Bewegungsvokabular in ihrem Umfeld erlernt.

Aus diesem Prozess entsteht ein „Bewegungsalphabet“, das auf Wiederholung, Rhythmus, Asymmetrie und den körperlichen Auswirkungen von Arbeit auf den Körper basiert. Sie interessiert sich dafür, wie Emotionen wie Erschöpfung, Stolz, Sehnsucht und Freude in funktionalen Gesten verankert sind und wie diese in ausdrucksstarke Bewegung umgewandelt werden können.

Ihre Arbeit untersucht, wie Atem und Wiederholung die Qualität von Arbeitsbewegungen verändern – und sie in tranceähnliche Zustände verwandeln, in denen sich der Körper zwischen Funktion und Abstraktion bewegt.

Indem sie diese Gesten mit dem zeitgenössischen Tanz in einen Dialog bringt, schafft sie eine Körpersprache, die zugleich roh und poetisch ist und die unsichtbaren Ebenen der Arbeit durch den Körper sichtbar macht.

Schon als Kind begann Jéssica Teixeira mit Tanz und Theater, und im Alter von 16 Jahren startete sie ihre berufliche Laufbahn im Kulturbereich. Heute, mit 33 Jahren, arbeitet sie als Schauspielerin, Produzentin, Regisseurin und Dramatikerin. 2017 verteidigte sie ihre Masterarbeit mit dem Titel „A Body in a State of Demolition“ im Masterstudiengang Kunst an der Bundesuniversität von Ceará. Zuvor schloss sie 2013 als Absolventin des ersten Jahrgangs des Studiengangs Theaterpädagogik an derselben Universität ab. Ihre Karriere umfasst mehr als 30 Bühnenproduktionen als Schauspielerin sowie Filme, Performances und Videoperformances. Derzeit nutzt sie ihren „seltsamen Körper“ als Ausgangsmaterial für ihre künstlerische Forschung, aus der zwei Solo-Performances hervorgingen: E.L.A – A.L.S.O (2019) und MONGA (2024). MONGA wurde beim Theater Spektakel in Zürich mit dem 35. Shell-Preis für die beste Regie und dem ZKB-Förderpreis 2025 ausgezeichnet. Außerdem spielte sie in den Kurzfilmen „Noz Pecã“ (2024), für den sie beim 52. Filmfestival von Gramado (Gaúcha Showcase) den Preis als beste Darstellerin gewann, „Assuming the Earth is Flat, I Am All Curve and Deviation“ (2023), „Bittersweet Power“ (2022), „Curva Sinuosa“ (2021), dem Spielfilm „Acsexybilidade“ (2023) sowie der Serie „The Others“ (2023) auf Globoplay mit.